Depois de concluída a minha formação académica na área da estética fotográfica e influenciado por fotógrafos como Joel-Peter Witkin (imagem ao lado) e Peter Dazeley, no que ao grafismo e arrojo das suas imagens concerne, dispus-me a arriscar um trabalho diferente daqueles que era usual ver. Isso não significava que alguém não tivesse já feito, e bem, queria apenas saber se era capaz de o fazer, sem receio do desastre que podiam ser os resultados finais. Meti-me no estúdio e fiz tudo o que era possível, considerando os resultados pretendidos, para quebrar as regras que durante o Curso Profissional de Fotografia, havia aprendido, sem nunca esquecer as palavras dos que me ensinaram e que sintetizarei neste aforismo: “Para quebrar regras é necessário conhecê-las!” Conhecia-as, ainda não as esquecera e pouco as havia porventura posto em prática e pensei: “Vou fazer (quase) tudo ao contrário!” As luzes usadas foram apenas as de modelação e a profundidade de campo foi a menor possível, para que os modelos fossem irreconhecíveis. Usei filme a preto e branco e depois de digitalizado diverti-me a assassinar as imagens, criando molduras, imitando os riscos de um filme já pouco saudável. O trabalho final agradou-me. A experiência não tinha sido má de todo, a meu ver, claro.
Terminado e apresentado o projecto que chamei de “Miopia”, por razões óbvias (imagem abaixo), decidi que  tinha que haver algo mais do que “miopia”. Porventura cegueira completa… Fui pensar no assunto de máquina entre mãos para um local movimentado da capital. Pensei mais uma vez na técnica fotográfica e nas possibilidades que ela abria quando as regras são quebradas. Para mim a câmara fotográfica está para a fotografia como o pincel está para a pintura. Instrumentos de desenho que não se limitam a captar o real, mas também a outra faceta desse real que, na tela ou no papel fotográfico ou outro suporte, pode revelar algo que o olho humano, por si só, é incapaz de vislumbrar. As imagens de Peter Witkin estavam sempre presentes. E as de Peter Dazeley também (imagem abaixo).

Pois que é isso da máquina fotográfica senão um instrumento ao serviço da arte, um instrumento capaz de mostrar um real que quase ninguém vê, mas que nos acompanha 24 horas por dia, em qualquer lugar onde estejamos? E porque não aliar isso à falta de espaço físico identificável? Para quê mostrar algo que à imagem não traz qualquer valor? Deixemos apenas a vida fluir num espaço etéreo, onde só ela importa. Mostremos as cores e os movimentos dos que as usam, dos que lhe dão vida.
Com pensamentos desta natureza em mente, preparei-me para violar as regras, para afrontar os puristas e comecei a disparar e captar tudo o que se movia desde que fosse colorido. Tinha dado início aos “Fios de Vida”. As pessoas começavam a aparecer nas imagens como um mais ou menos estreito fio, um fio repleto de vivências, alegrias e tristezas, enfim um fio de vida. Adorei desde logo a primeiríssima imagem que vi no pequeno ecrã da minha câmara (imagem abaixo).
Estava ganha a tarde de reflexão. Os trabalhos expostos na exposição que decorre, foram sendo fotografados por aí, a sua maioria em Lisboa e um deles em Roma. Para os fãs da “freira azul” de Roma, quero dizer que ela ficou de fora mais uma vez porque… sim!
Desejo deixar aqui um público e reconhecido agradecimento àqueles que foram meus professores, dois dos quais me deram a honra de estarem presentes no dia da inauguração da exposição, o Mário Pires, mestre em estética e o Curado Matos, mestre no preto e branco e mais. Apesar de não poder estar presente, um agradecimento especial ao Ricardo Dias, um professor e também um amigo. Ainda agradecimentos ao Luís Índias e “last but not least”, ao Carlos Marques, mestre de um sem número de fotógrafos portugueses, que passaram e continuam a passar pela “Oficina da Imagem” e meu mestre também.
Um agradecimento final a todos os que passarem pelo Centro de Arte Comtemporânea para ver os trabalhos ali patentes, de que imodestamente me orgulho, quer gostem, quer detestem. O importante na arte é provocar emoções, sejam elas de prazer ou de desagrado. Se assim for, o produto do trabalho do “artista” será notado e isso é que importa.