Território e Identidade

Território e Identidade

Decorre até 29 de junho a exposição “Aproximar-nos do Caos” na ACERT Tondela. Disso mesmo vos dei conta em publicação anterior, aqui no blogue. E espera por vós e por todos aqueles a quem possais dar nota da mesma. No centro da discussão estão questão ligadas ao território e à identidade, individual e social.

Aproximar-nos do caos | Exposição fotografia é fruto de um trabalho coletivo coordenado pela fotógrafa Susana Paiva, com a cumplicidade da EIFE Escola Informal de Fotografia do Espectáculo e da ACERT Tondela que acolhe a exposição e desenvolve um trabalho pluridisciplinar notável, em termos das áreas artísticas.

No âmbito da exposição tive o privilégio e a enorme responsabilidade de fazer a curadoria dos trabalhos dos autores Ana Botelho, Ana João Romana, João Vasco, e Paula Roush.

Pessoalmente a curadoria representou uma oportunidade de pesquisa e reflexão sobre a obra global dos autores, sobre estas suas obras em particular e a possibilidade, de consistentemente, abordar questões que me interessam do ponto de vista da prática fotográfica atual: se a mesma faz sentido, que sentido é esse e se a minha própria prática é coerente com tudo isso.

Por tudo isso, esta prática curatorial, ainda que incipiente, constituiu para mim uma oportunidade de crescimento enquanto autor e deixou-me na boca o sabor a um doce desejo de mais.

Para os interessados fica aqui a ligação para descarga do catálogo da exposição; uma publicação virtual de 30 páginas, resultado de um enorme desafio e da vontade, criatividade, paixão e resiliência de todos quantos participam nesta disrupção. Emprego o verbo no presente não só porque a exposição está patente até 29 de junho, num espaço fabuloso, como acredito irá estar em tempos próximos noutros locais do país, onde as artes visuais também têm lugar.

Pode ser perto de si.
Aceitem um abraço.

APROXIMAR-NOS DO CAOS

 APROXIMAR-NOS DO CAOS No âmbito da EIFE Escola Informal de Fotografia do Espectáculo, edição 2019 e com a coordenação de Susana Paiva,  terá lugar na ACERT Tondela, uma exposição alimentada criativamente pelo pensamento do filósofo José Gil, expresso numa entrevista que o próprio concedeu ao Jornal de Noticias em janeiro de 2019.

Abaixo deixo-vos o texto a constar da “folha de sala” do evento, para o qual me atrevo a convidar-vos.

 APROXIMAR-NOS DO CAOS [com umas lentes que permitam ver melhor o que é isso].

“Caos. Do grego káos, do verbo khainen, abrir-se, entreabrir-se.

Termo utilizado aparentemente pela primeira vez na “Teogonia” de Hesíodo (séc. VIII a.c.), designando o vazio causado pela separação entre a Terra e o Céu a partir do momento de emergência do Cosmo. Designa também para os gregos o estado inicial da matéria indiferenciada, antes da imposição da ordem dos elementos.”

(JAPIASSÚ, Hilton e MARCONDES, Danilo. Dicionário Básico de Filosofia. 5.ed. Rio de Janeiro: Zahar, 2008)

 […] Na sua série “3ª – retratos de uma viagem ao interior”, da qual fazem parte as imagens “Diana” e “Janela” que integram esta exposição, João Paulo Barrinha procura mais a forma como vê a realidade, do que a realidade em si. As suas imagens reflectem, deste modo, as suas miragens – representações, muitas vezes surreais, dos seus sonhos e das suas memórias. Se
uma imagem é [uma] memória, apenas poderá ser a do seu autor. […]

[…] Quando olhamos para o trabalho “Território e Caos” de Raúl Salas somos transportados para um imaginário abstracto. Nas suas imagens, o autor, explora a essência do caos através de impossibilidades, criando territórios e tempos fictícios que co-habitam numa espécie de contínuo espaço-tempo (wormhole), induzindo um conflito de ordem. São fragmentos de tempos passados e presentes, vestígios de sociedades humanas antigas que convergem na sua obra, numa espécie de narrativa onírica cuja desconstrução implica tempo, imersão e proximidade ou, bem pelo contrário, afastamento e abstracção – essa é escolha que caberá ao público. […]

[…] Ana João Romana (em colaboração e com referência à obra de Susana Anágua exposta em 2014 na Carpe Diem) e João Vasco, apesar dos seus distintos percursos e influências, convergem nesta exposição na utilização da cartografia para operacionalizarem discursos artísticos centrados em energia e matéria, luz e terra.

A luz da cidade de Lisboa funciona como sujeito explícito da obra “18º abaixo do horizonte” de Ana João Romana, onde a luz é abordada de uma forma latente, mas carece de luz presente para que se revele. […]

[…] Por seu lado, a prática artística de João Vasco é alicerçada na fotografia documental e numa certa antropologia visual, que o autor utiliza como veículo gerador de consciência social. Em “Unidade Convulsa”, que agora apresenta, o autor faz emergir o seu background académico como geógrafo e invoca a cartografia como testemunho, uma memória da sua própria experiência, do seu caminho no mapeamento do Caos, que muito para além de ser geofísico, é intrinsecamente interior. […]

[…] Entramos agora na obra “Self” de Elsa Figueiredo, no seu caos, pelo lado [mais] escuro à procura da claridade […] Talvez precisemos de silêncio para melhor Ver e Entrar neste caos, para encontrar o túnel que nos leva até à luz. Também aqui, como nos trabalhos de Ana João Romana e João Vasco, o silêncio será a lente que nos ajudará a entrar na pele da(o) outra(o) e melhor compreender o que expressa Elsa Figueiredo. […] parafraseando a autora, “é através da busca constante daquilo em que falhamos e daquilo que nos faz falta, do vazio por preencher, que caímos muitas vezes no Caos”. […]

[…] Na obra “Mais alto! Mais altos! Sem parar! [Louder! Taller! Non-Stop!]”, de Mário Azevedo, o desejo humano é entendido como um poder destruidor da Natureza – uma força que atenta contra o passado natural, o pré-existente -, uma contínua procura do novo que ameaça o que está sedimentado. […] Na obra apresentada nesta exposição, o autor adopta a estratégia de criar um diálogo conflituoso entre duas imagens, […] [ao qual acrescentou] uma dimensão auditiva, cuja criteriosa banda sonora a escutar em registo imersivo, ela própria oscilando entre caos e harmonia, cria uma nova ligação entre imagens, agudizando inevitavelmente o referido conflito.

[…]

[…] Equacionando o crescente interesse, na abordagem artística contemporânea, pela conflituosa dicotomia Público versus Privado, com tónica nos conceitos de Liberdade e Transgressão, abordamos as obras “Ceridween” de Ludmila Queirós e “Paisagem-Passagem” de Carlos Dias, elegendo a transgressão como peça nuclear do discurso que as une. […]

[…] Carlos Dias aborda o próprio acto criativo como transgressão, sem regras, algo bem patente no manifesto do movimento Lomográfico que o autor adopta como fundamento do trabalho que agora apresenta. No caso de Ludmila Queirós […], a transgressão é corporizada através do olhar do espectador, testemunha (in)voluntária dos seus registos/testemunhos que alimentam o jogo deliberado de diluição do espaço/acto público e privado. […]

[…] O que une as obras “The true face” de Ana Botelho e “Paintball field” de paula roush, aqui apresentadas, e que, nas suas múltiplas acepções, simultaneamente as separa, é a antítese da face humana, em alguns dos inúmeros significados que lhe são atribuídos: a máscara. A máscara, física ou psicológica, – esse outro eu – que permite ao seu utilizador, o mascarado, dissimular a sua identidade, transformando a sua aparência, através da sua evidente função de adaptação social. […]

[…] “Paintball field”, enquanto jogo de disfarces, ironiza o jogo da guerra e expõe, segundo a autora, “a glorificação da morte implícita na narrativa do jogo”. […] Todos desempenham um papel, numa outra pele e identidade: a de caçadores e de presa, como num conflito real.

Por seu lado, a narrativa construída por Ana Botelho em “The true face” utiliza a máscara para discursar sobre um Caos interior, na continuidade de uma reflexão pessoal que a autora havia iniciado, em “Há dias que gosto mais do que outros”, publicado em 2018, e que não versando uma guerra de todos os Homens, aborda um conflito intrinsecamente seu. […]

[…] Unidas pela fragmentação da imagem que propõem nas obras, Leonor Duarte e Sofia Pereira Santos encontram na ilusão o mecanismo perfeito para equacionar a natureza do seu olhar, e das suas próprias imagens, para através delas reflectir sobre as diferenças entre representação, ilusão e realismo.

[…] Se a obra “Pode uma suave brisa mudar o mundo?”, de Sofia Pereira Santos, opera a sua reflexão evocando o espaço – na verdade um duplo espaço, da maquete do seu fotolivro e do(s) lugar(es) que este representa, – para equacionar a sua necessidade pessoal de permanente procura, já “S/título” de Leonor Duarte, na sua dupla natureza pictórica e referencial, elege o tempo, […], como o eixo discursivo que lhe permite reflectir, metaforicamente, sobre a forma como “a natureza se apropria do construído, recriando-o de uma forma que invoca o sagrado.”

Apesar das suas diferenças, é também aqui, na dimensão da recriação, que se voltam a interceptar as obras destas duas autoras – no seu desejo de permanente reinvenção das possibilidades do olhar, usando como pretexto um corpo em perpétua demanda de viagem. Inevitavelmente imbuídos da “força devastadora do caos [que] varre e destrói os estratos habituais do pensamento, das afecções, da linguagem, provocando um vazio a partir do qual se constrói a singularidade”, mergulhamos uma última vez nas sábias palavras de José Gil em “Caos e ritmo”, conscientes que é “no plano das matérias de expressão, no plano das formas, estruturas, composições que germina o caos” e, sendo este, também, um discurso curatorial elaborado por artistas que reflectem sobre a obra e práctica de outros artistas, não resistimos a concluir com uma nova citação do referido livro, “[…] mas é também no espírito e no corpo do artista [que germina o caos], porque ele habita inteiramente o espaço e o tempo da obra, tal como estes invadem as suas sensações e o seu pensamento. Um plano – de matéria e energia – liga a obra ao artista e inversamente, o artista à obra. É nele que o caos se instala e se estende. […]”

Excertos do texto curatorial da autoria de Arlindo Pinto, Dora Pinto, Fátima Lopes, Fernando Alves, Paula Arinto e Susana Paiva

Ficha artística e técnica

APROXIMAR-NOS DO CAOS [com umas lentes que permitam ver melhor o que isso é]

COORDENAÇÃO

Susana Paiva

AUTORES
Ana Botelho
Carlos Dias
Elsa Figueiredo
João Vasco
Leonor Duarte
Mário Azevedo
Raul Salas
Sofia Pereira Santos
[Autores Convidados]
Ana João Romana
João Paulo Barrinha
Ludmila Queirós
paula roush

CURADORES
Ana Couto
Arlindo Pinto
Dora Pinto
Fátima Lopes
Fernando Alves
Paula Arinto
Rui Esteves [assistência]

PRODUÇÃO
Ana Moreira Silva | direcção

COMUNICAÇÃO
Filipa Assis | direcção
Clara Moura [assistência]

AGRADECIMENTOS

Gostaríamos de agradecer à ACERT a confiança artística em nós depositada e o extraordinário empenho que permitiu esta iniciativa.

Gostaríamos ainda de fazer um especial agradecimento ao filósofo José Gil cujo pensamento, em torno do Caos, alimentou criativamente este projecto.

About Me

Arlindo Pinto PhotographerBiography

Arlindo Pinto (b. 1962) based in Lisbon, born elsewhere! He likes to think of himself as a photographer…. which he really is since the end of the twentieth century! He’s passionate about art, music and people. Photography is a way for him to connect with mankind.
He teaches photography at Circulo Artístico e Cultural Artur Bual and he is a member of the Photobook Club Lisboa team. He made solo and collective exhibitions and published his work in magazines, photography zines and books. He’s looking for clues about the meaning of life… if there is one.

Artist Statement

His photography has an insistent focus on man as a multifaceted, spiritual and relational being, but also a victim of himself. The result of what he does is viscerally grounded in his beliefs and convictions to wich the images give life. Photography is a way of talking about the issues that concern him, to which he wants to give voice and around which he intends to generate debates, verbalized or interior.

Academic

2017 Bicromatous Gum (IMAGERIE)
2015 Cyanotype (IMAGERIE)
2014 History of Contemporary Photography (AR.CO)
2014 Photo Book Design (AR.CO)
2009 Language and Aesthetics in Photography (MEF)
2008 Applied Photography (MEF)
2005 Photography Aesthetics (Oficina da Imagem)
2005 Fashion (WS8A)
2004 Professional Photography Course (Oficina da Imagem)

Books|Zines|Catalogues

2018 “Na Luz Encontro Abrigo”
2018 “i”
2017 “Today Is A Long Time” – The Unknown Books
2017 “Retratos Municipais” – Instituto de Ciências Sociais
2017 “Hope” – Huggly Books
2017 “sonhando versos e sorrindo em itálico” – IMAGERIE – Casa de Imagens
2016 “Alegoria do Inferno”
2016 “Everything Is Not”
2015 “Ausências”
2015 “Space 3”
2015 “Zemrude”
2014 “Take My Body”
2012 “Coleção Bandas Míticas II, Pop Dell’Arte” – Levoir
2012 “Cáceres Pop 2011!” – Diputacion de Cáceres
2006 “Arte na Planície” – Associação Cultural Arte na Planicie

Solo Exhibitions

2016: O Mercado, Meda;
2014: Espaço Santa Casa, Lisboa;
2013: Art Hill’s, Lisboa;
2012: Salão Nobre dos Recreios da Amadora, Amadora;
2011: Biblioteca José Régio, Amadora;
2011: Centro de Artes e Espectáculos, Figueira da Foz ;
2009: Salão Nobre do Recreios da Amadora, Amadora;
2009: Galeria Municipal de Sobral de Monte Agraço;
2007: Centro de Arte Contemporânea da Amadora, Alfragide;
2007: Goupama.Arte, Lisboa.

Collective Exhibitions

2013: Hotel NH, Lisboa;
2012: Cabalum Galeria, Pontevedra, Galiza, Espanha;
2011: Exposição Coletiva de Artes Plásticas de Artistas do Círculo Artur Bual, Espaço+, Aljezur;
2011: Exposição Coletiva de Artes Plásticas de Artistas do Círculo Artur Bual, Teatro Eduardo Brazão, Bombarral;
2011: Hospital Fernando da Fonseca, Amadora;
2010: Sobral nas Linhas de Torres: olhares e perspetivas, Galeria Municipal;
2009: Exposição DELFINS – 25 anos de culto pop, Teatro Experimental de Cascais;
2009: IV Exposição de Artes Plásticas do Espólio Municipal 2005-2009, Galeria Artur Bual, Amadora;
2006: Arte na Planície – coletiva de pintura, escultura e fotografia, Montemor-o-Novo.

Na Luz Encontro Abrigo

NA LUZ ENCONTRO ABRIGO

Subitamente Neves-Neves e uma porta para o absurdo da existência
Perdidos na alienação tecnológica da sua própria insuficiência
Crescem em aposentos para os esquecidos e amedrontados que são todos
Os todos de todo o mundo, pretos, brancos, amarelos e outras cores em RGB
Observo por entre aquela nesga aberta à pressa para inflamar os que procuram e
Caem exaustos nos arredores gelados das proximidades mortificantes de uma ATM
Vêm-me à cabeça imagens da urbe apinhada
O casario que arde suavemente, clamando pelo Capital anafado
Grito às chamas que me envolvem, deixo que o calor me dissolva as entranhas
E arreganho os dentes
Somos todos fruto de um enorme erro divino
– Deus é infinitamente pequeno – clama Jarry paradoxal
Seco de tudo, nada tenho e por aqui estaco o andar
Sou só lobo, sapiens solitário, permaneço de pé e procuro a luz
Queima, a luz, e é tão quente, tão enorme que a minha sombra se fixa eterna na parede
Na parede dos esquecidos e amedrontados
Um negativo, um oposto, um que brilha e brilha tanto que destrói corporativistas em CMYK
Tísicos desesperados, selvagens de boa saúde, perseguem o anafado e demoníaco Capital
Avanço a medo, que os lobos também o têm, abocanho aqui e ali, vadio
Permaneço alerta, vasculho por abrigo
Os olhos pedem tréguas
O corpo adormece e a viagem é longa
Estou cansado
Quando alcançarei paz?
Que aconteça qualquer coisa gigantesca e os olhos se revirem na busca
Anarquista sentimental foi assim que imaginaste que tudo teria lugar?
Como se o sonho fosse o teu melhor?
Esqueço que sim e arrasto-me mais uns miseráveis metros por entre corpos estendidos e
Janelas escancaradas que soltam uma música sem sentido
Caio no limiar e adormeço na babélica metrópole
Imagens do dia rodopiam num vórtice desvairado
Encontram-se na luz do meu sonho
Ali encontro abrigo

© 2018

Ser Ainda O Outro

Ser Ainda O Outro

Se eu me sentasse comigo próprio fazendo de outro, que resposta daria à pergunta, “quem sou seu?”
A imagem que de mim devolve o espelho, essa atulhada de medos, fantasmas, sonhos e alegrias aqui e ali trocadas por tristezas e dores infinitas de existências divergentes, é apenas uma ficção efémera de outros tantos eus que sou e outros que desejo ser. Quando o espelho se quebra, como Pessoa, “em cada fragmento fatídico vejo só um bocado de mim”, imagens esparsas do eu.
Sou uno e fragmentado. Eu e o outro que se esconde. E ainda um outro. Uma alma, que desperta, se atormenta com o não ser os eus sonhados. Esquecido, regresso sempre ao que julgo que sou e o espelho me devolve.
“Ser Ainda o Outro” é a vontade de ir além do espelho, de confrontar a imagem especular, a própria definição do eu, e entender que a identidade não é apenas o que sou, mas também, aquilo que deixei de ser e o que não sou. É uma discussão interior, um teste de autoconhecimento, com disponibilidade para perceber que o passado não se muda e que para evoluir e ser quem sou, tenho que abrir mão de parte de mim para salvar o todo e me construir a cada momento, sonhando até ser um outro talvez inatingível.
As imagens não contemplam futuro, apenas o hoje das experiências a que as memórias e os projetos de ser outrora concebidos me trouxeram. Mas é nelas que assenta o devir de um outro eu. Um novo projeto de ser, um sonho e é o sonho que me mantém acordado e vigilante.

©2018

Livro de Artista do Projeto “i”

Livro de Artista do Projeto “i”

Livro de Artista do Projeto i

A apresentação do livro relativo ao Projeto “i”  terá lugar no dia 17 de novembro, pelas 18h.30m no Palácio Pancas Palha, Travessa do Recolhimento Lázaro Leitão, nº 1, 1ª andar, Lisboa. São naturalmente bem vindos e a vossa presença é apreciada. A laia de contextualização fica abaixo um pouco da história da construção deste livro “sui generis”.

*

O projeto “i” nasceu no âmbito da Escola Informal de Fotografia em 2017, sob a orientação de Susana Paiva, tendo como pano de fundo o “Elogio da Sombra” de Junichiro Tanizaki e o universo japonês Wabi-Sabi, tal como sobre ele escreveu Leonard Koren em “Wabi-Sabi for Artists, Designers, Poets & Philosophers”.
O “Elogio da Sombra” serviu de base ao “draft” conceitual do projeto e à safra de imagens que foram colhidas em fevereiro, março, abril e novembro de 2017. Além da penumbra tão cara a Tanizaki, o grosso das imagens revelava contrastes muito acentuados e sombras muito profundas, em locais onde apenas uma luz muito ténue era admitida, sem luz solar direta ou luz qualquer luz artificial. As imagens eram nítidas e precisas, de arestas cortantes, ângulos e linhas bem definidos. Apesar de evocarem a importância, segundo Tanizaki, da obscuridade no modo de vida tradicional japonês, em si mesmas consideradas, não satisfaziam, segundo o seu autor, os conceitos de transitoriedade, imperfeição, impermanência e incompletude, a que a beleza das coisas está submetida, segundo o conceito de Wabi-Sabi de Koren. Isso iria requerer um processo criativo assente a montante num erro/acaso, que descaradamente se usou como formula de experimentação para a criação final das imagens, todas elas únicas e perspetiveis. Citando Lazslo Moholy-Nagy, 1947, por seu lado citado por Magda Fernandes & José Domingos in “A salvação da fotografia vem da experimentação”. Não temos a pretensão da salvar a fotografia, nem nos preocupa, como se questionam aqueles autores, se “Poderá o acaso continuar a assim chamar-se, se deliberadamente o procuramos?”
As imagens de “i”, como se lê no Artist Statement do autor, “são imagens de paciência, construídas pacientemente, para observadores pacientes”. Que outra coisa dizer de imagens cuja construção obedece a um processo de impressão doméstica a preto e branco, no verso de papel fotográfico, terminadas usando um secador de cabelo?
O livro que agora se dá a conhecer continua a obedecer aos princípios estéticos que no início e ao longo do processo da sua construção apelavam ao acaso e à imperfeição. Para isso muito contribuiu o workshop com Paula Roush, “Page Turner”, em novembro de 2017. O livro, fugindo do convencional, não o afronta tão radicalmente como estamos certos a Paula apreciaria, mas comunga ele próprio de três simples realidades: nada dura, nada é completo: nada é perfeito.
“i” foi totalmente manufaturado. À exceção da impressão, ela própria exigindo uma atenção redobrada em relação a um processo normal de impressão, tudo o resto é fruto de braço. É portador de uma beleza onde já não se torna suficiente só olhar, é preciso ter tempo para ver. A beleza e a pressa são antagónicos e esta impede que se desfrute daquela, porque há uma importante auto-jornada para encontrar e apreciar o que está mais escondido.
“i” é um exercício de paciência, generosidade e simplicidade.
Esperamos que o desfrutem como ele merece.

Project i

Project i

Project i [PT]
Entre a “Sombra” de Tanizaki e a estética Wabi-Sabi existe nada: o nada para que devoluem ou evoluem todas as coisas, a base metafisica de um universo de beleza de coisas imperfeitas, impermanentes e incompletas. Uma beleza não convencional. A beleza das coisas modestas e humildes encontradas por entre as matizes da sombra e da penumbra.
No discreto e negligenciado encontramos a grandeza. E poderemos nós encontrar grandeza nas imagens de “i”? A retórica da estética ocidental pode, como tudo se pode, não lhe reconhecer a ideia de monumental e espetacular beleza. Pois não pode! Nem sequer deve! Porque não ostentam tais qualidades, nem pretendem ostentar. “i” são imagens de paciência, construidas pacientemente, para observadores pacientes. São sobre o menor e o oculto, a tentativa e o efémero: é preciso olhar. Ir devagar. Olhar de perto.
E quando olhamos, revela-se a diluição das fronteiras do referente, oscilando as imagens entre o abstrato e o figurativo, mostrando-se cruas, corroídas e contaminadas. A organização geométrica das formas, nítidas e precisas, foi deliberada e ostensivamente substituída por talhos suaves, ângulos e linhas vagos e pouco definidos. Não lhe subjaz a perfeição ou a preocupação do fino acabamento. Anulou-se a geométrica organização da forma e aceitou-se que se acomodassem elas próprias de forma orgânica. Ter-se-ão tornado naturalmente imperfeitas, por sua própria vontade. E que importa isso às imagens? Nada, absolutamente nada! Nada existe sem imperfeição.
Onde é existem estas imagens, imperfeitas, estranhas, vivendo no escuro, espreitando na penumbra. No papel ou no ecrã, na memória ou na pele, acabarão por se desvanecer e cair no esquecimento e não inexistência. Existem apenas numa ilusão da permanência. Não permanecerão. São impermanentes.
Estão ou não terminadas estas imagens e que nos querem dizer? Em que se tornarão e o que dirão depois? Como todas as coisas, incluindo o universo que conhecemos e o que não conhecemos, as imagens estão num infinito estado de se tornar algo ou de se dissolver. São um processo. Nunca estarão completas. Sobrevivem num estado de incompletude!
É isto que sabemos e isto que aceitamos: a beleza das coisas imperfeitas, impermanentes, e incompletas. Quiçá uma beleza alicerçada na feiúra aparente das imagens.

Project i [EN]
In Tanizaki’s “In Praise of Shadows” and the Wabi-Sabi aesthetic lies the metaphysical basis of a universe of beauty, that of imperfect, impermanent and incomplete things; an unconventional beauty of discreet and neglected greatness. And can we find greatness in the images of “i”? Will the Western aesthetics rhetoric fail to recognize its ideal of monumental and spectacular beauty in “i”? It should, because “i” don’t have such qualities. “i” are patiently constructed images for patient observers. They are about simplicity and the hidden things, the attempt and the ephemeral: you need to see. Go slow. Look close. And when we look, the dilution of the referent borders reveals itself, proving the images to be raw, corroded and contaminated. The sharp and precise forms of geometric organization were replaced by smooth carving and vaguely defined lines. They don’t have the perfection of fine workmanship. The form geometrical organization was eliminated, and it was accepted that they would accommodate themselves in an organic way. They have become naturally imperfect by their own will.
These imperfect and strange images, living in the dark, lurking in the gloom, will eventually fade into oblivion and non-existence. They are an illusion of permanence. They are impermanent.
And are they finished? What will they become and what will they say later? Like all things, the images are in an infinite state of becoming something or in one of dissolving. They are a process. They will never be complete. They survive in a state of incompleteness!
This is what we know and what we accept: the beauty of imperfect, impermanent and incomplete things. A beauty based on the apparent ugliness of the images.

Project i as seen on PROPELLER magazine website.

© 2017

Zemrude zine

Zemrude zinezemrude zine-collectors-edition

Title: Zemrude
Author: Arlindo Pinto
Editor: Self-Publishing
Dimensions: 13 x 18 cm
Pages: 24
Edition: 20 copies (regular) + 5 copies (collector’s edition)
Edition Year: 2015

It is the mood of the beholder which gives the city of Zemrude its form. If you go by whistling, your nose a-tilt behind the whistle, you will know it from below: window sills, flapping curtains, fountains. If you walk along hanging your head, your nails dug into the palms of your hands, your gaze will be held on the ground, in the gutters, the manhole covers, the fish scales, wastepaper. You cannot say that one aspect of the city is truer than the other, but you hear of the upper Zemrude chiefly from those who remember it, as they sink into the lower Zemrude, following everyday the same stretches of street and finding again each morning the ill-humor of the day before, encrusted at the foot of the walls. For everyone, sooner or later, the day comes when we bring our gaze down along the drainpipes and we can no longer detach it from the cobblestones. The reverse is not impossible, but it is more rare: and so we continue walking, through Zemrude’s streets with eyes now digging into the cellars, the foundations, the wells.

(CALVINO, 1972:68)

Publications

Na Luz Encontro AbrigoPublications

Photobooks, Photo Zines, Catalogues

2018 “Na Luz Encontro Abrigo”
2018 “i” Artist Book
2017 “Today Is A Long Time” – The Unknown Books
2017 “Retratos Municipais” – Instituto de Ciências Sociais
2017 “Hope” – Huggly Books
2017 “sonhando versos e sorrindo em itálico” – IMAGERIE – Casa de Imagens
2016 “Alegoria do Inferno”
2016 “Everything Is Not”
2015 “Ausências”
2015 “Space 3”
2015 “Zemrude”
2014 “Take My Body”
2012 “Coleção Bandas Míticas II, Pop Dell’Arte” – Levoir
2012 “Cáceres Pop 2011!” – Diputacion de Cáceres
2006 “Arte na Planície” – Associação Cultural Arte na Planicie

Tristesse

TRISTESSE

[PT]
“La tristesse durerara toujours” proclamou Vincent na pobreza do leito onde se abandonou à morte suicidária (?)
Hunter, no deleite da alvura dos alucinogénios, afirmou perentório I’m “Counting stars by candle light” enquanto fitava de olhos arregalados “Noite Estrelada Sobre o Ródano”
McLean afinou o instrumento e porfia na evocação da genialidade construída na mestria impar e solitária dos transtornos afetivos do pintor
Ao pintor a pós-morte elevou à maioridade do fadário perpétuo da imortalidade
Noites estreladas sobre o Ródano, qualquer outro lugar no “Campo de Trigo com Corvos”
Os corvos da morte ou da liberdade, mas para sempre sair dali
da angústia fazer infindável felicidade, poética e contraditória existência
“Tristesse” é afinal ser e feliz lembrança do autor.

©2017